Quando si sceglie una console di missaggio, bisogna innanzitutto chiarire cos’è e a cosa serve. Si tratta di un dispositivo (il cui nome deriva da “mixer” o “mixer console”) che consente di ricevere e mixare diversi tipi di segnali audio (segnali microfonici e di linea). Tra l’altro, il missaggio era in origine lo scopo principale delle console di missaggio: a questo scopo, ad esempio, l’azienda Willy Studer in Svizzera nel 1958 introdusse il primo mixer Studer 69.

Nel corso degli anni, tuttavia, i compiti si sono ampliati e gli attuali modelli di mixer possono eseguire una serie di manipolazioni sui segnali audio: amplificazione, equalizzazione (elaborazione delle frequenze, compressione) ed elaborazione dinamica. I mixer possono instradare i segnali per il raggruppamento, il monitoraggio, l’elaborazione di effetti esterni (routing) e altri scopi.

Il compito principale di una console di missaggio è quindi quello di riunire più sorgenti di segnale e di ottenere un equilibrio ottimale nell’uscita. In sostanza, un mixer è il cuore di qualsiasi studio, sia professionale che domestico. Sebbene si possa cercare di fare a meno dei vari strumenti di studio grazie a un software per computer, la maggior parte delle persone che lavorano con il suono ha comunque bisogno di una console di missaggio.

Classificazione delle console di missaggio
Tutte le console di missaggio possono essere suddivise in diversi tipi: missaggio per concerti (base o monitor), missaggio in studio, missaggio broadcast (per radio e televisione), missaggio per DJ e così via. Nonostante le differenze specifiche, hanno molte somiglianze: celle di ingresso e sezione master, ad esempio. Ogni tipo di console ha uno scopo specifico e questo fattore deve essere preso in considerazione quando si sceglie un mixer. Un mixer da concerto, ad esempio, differisce molto da un mixer da studio in termini di parametri e, di conseguenza, di prezzo.

Poiché stiamo parlando di console per concerti, il loro scopo principale è quello di garantire un’elevata affidabilità e facilità d’uso. E queste non sono solo parole. Immaginate che un concerto importante venga annullato a causa di un guasto a una console di missaggio: in sostanza, si tratta di un grave fallimento sia per il servizio tecnico che per gli organizzatori.

Le console per concerti comprendono console monitor e mixer-splitter. Comprendono anche modelli a zone: consentono di indirizzare in modo indipendente qualsiasi segnale in ingresso a una qualsiasi delle uscite selezionate. Questi mixer sono utilizzati nei grandi centri commerciali, nei ristoranti e nei club di intrattenimento.

Le caratteristiche principali delle moderne console da studio sono, innanzitutto, l’elevata qualità del suono, il massimo rapporto segnale/rumore possibile, la possibilità di salvare le impostazioni per tornare a una traccia non finita e continuare a lavorarci con un solo tocco.

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Esistono molti tipi di diffusori High-End tra cui scegliere, ma noi possiamo aiutarvi a fare la scelta giusta. Tutti i diffusori possono essere classificati in una serie di grandi gruppi in base alla loro classificazione.

E questa non è solo una classificazione.

Gli altoparlanti sono l’ultimo anello del sistema stereo di alta gamma, che riproduce direttamente la musica convertendo il segnale elettrico proveniente da un amplificatore di potenza in vibrazioni meccaniche degli altoparlanti (radiatori) e di conseguenza in vibrazioni sonore dell’aria a noi udibili.

I diffusori attivi sono altoparlanti con amplificatori di potenza incorporati; ogni diffusore è alimentato dalla rete elettrica tramite un cavo di alimentazione. Per riprodurre la musica, vengono collegati direttamente a un preamplificatore (non è necessario acquistare un amplificatore di potenza), collegato tramite un cavo di interconnessione (non è necessario acquistare un cavo acustico).

I diffusori passivi sono il tipo più comune di sistemi di altoparlanti, costituiti da un mobile, da altoparlanti installati (diffusori) e da un filtro di disaccoppiamento attraverso il quale i diffusori sono collegati a un amplificatore.

Gli altoparlanti a tromba sono altoparlanti che non trasmettono il suono direttamente, ma attraverso una tromba che è strettamente collegata ad essi. La maggior parte degli altoparlanti a tromba ha una sensibilità elevata, che li rende un partner ideale per gli amplificatori a valvole di bassa potenza.

Gli altoparlanti elettrostatici sono solitamente alti, larghi e sottili. Invece di utilizzare gli altoparlanti tradizionali, gli altoparlanti elettrostatici utilizzano un foglio di materiale elettricamente conduttivo o rivestito di materiale conduttivo sospeso su tutta l’altezza dell’altoparlante, inserito tra due conduttori.

I diffusori planari sono essenzialmente un parente stretto dei sistemi elettrostatici, anch’essi alti, larghi e sottili (circa 3-5 cm). Inoltre, non hanno altoparlanti convenzionali e sono costituiti da una sottile pellicola di materiale conduttivo o da un rivestimento conduttivo, ma a differenza degli altoparlanti elettrostatici, dove la pellicola vibra nel campo creato dai conduttori alimentati dalla rete elettrica, negli altoparlanti planari la pellicola vibra nel campo creato da magneti permanenti posti su uno dei due lati (o su entrambi).

I diffusori da scaffale non hanno nulla in comune con i diffusori da scaffale, e questa classe di diffusori ha preso il nome per le sue dimensioni ridotte, ovvero per l’altezza ridotta dell’involucro che rende impossibile l’installazione direttamente sul pavimento.

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La maggior parte dei produttori di apparecchiature audio dei primi anni ’50 cessò di esistere o fu acquistata da altre aziende. Pedersen Electronics ne è un esempio lampante. Negli anni ’50, Pedersen produceva una gamma completa di componenti audio: sintonizzatori, preamplificatori e amplificatori di potenza.

Nonostante l’accattivante slogan pubblicitario “PDQ – Pedersen Denotes Quality”, dopo il 1959 i loro prodotti non apparvero più nelle recensioni annuali di Audio Magazine. In tutte le occasioni in cui ho visitato mercatini dell’usato e partecipato a riunioni di club di radioamatori, non mi sono mai imbattuto in un prodotto Pedersen. La rarità del prodotto dal punto di vista del produttore non è una delle sue virtù.

Il primo prodotto di Saul Marantz fu l’Audio Consolette da 143,50 dollari, che arrivò sul mercato nel 1955. Audio Magazine scrisse quanto segue: “Non solo produce un suono di qualità incredibilmente elevata, ma è anche un ottimo esempio di progettazione e assemblaggio competente. Utilizzava due stadi fono separati ad alto guadagno con 36 curve di equalizzazione.

Hermon Hosmer Scott entrò in gioco nel 1947. Il primo prodotto della sua azienda, l’H.H. Scott, era il “Dynamic Noise Canceller”. Rivoluzionò le trasmissioni radiofoniche rendendo possibile la riproduzione di dischi in vinile a 78 giri senza i crepitii e le altre interferenze che compromettevano gravemente la qualità del suono dei ricevitori radiofonici dell’epoca. Scott continuò a produrre soppressori di rumore fino al 1956; l’ultimo dispositivo fu il modello 114A.

Fisher Radio Co. era in concorrenza con H.H. Scott. Il suo creatore, Avery Fisher, fondò Fisher Radio nel 1945. Oggi Fisher è più conosciuto per le sue attività di beneficenza (come le donazioni alla Avery Fisher Hall di New York) che per i suoi meriti tecnici, ma durante il suo regno Fisher Radio rimase leader di mercato fino al 1969, quando fu acquistata dal produttore di elettronica giapponese Sanyo.

Nel creare i suoi primi prodotti, Harman Kardon pose l’accento più sullo stile che sull’alta tecnologia. I dispositivi si vendettero bene grazie ai loro pannelli frontali staccabili, disponibili in una grande varietà di colori. Ma questo accadeva molto prima che Sidney Harman assumesse Stu Hegeman come ingegnere capo e prima della nascita delle linee di apparecchi Award Series e Citation.

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Ci saranno molti esempi e si lavorerà con le multitracce,
Il workshop utilizzerà sei console digitali. Ogni partecipante avrà l’opportunità di applicare le conoscenze e le nuove tecniche nella pratica.

Il workshop è GRATUITO per i partecipanti!

Argomenti:

• Storia dello sviluppo del mixaggio
• Stili di mixaggio di base
• Meccaniche di mixaggio, visioni, spazio
• L’equilibrio
• Le basi dell’arrangiamento, i suoi elementi, le regole.
• Modi per evitare elementi conflittuali nel mixaggio
• Processi di mixaggio per diverse situazioni
• Struttura del guadagno, la sua importanza
• Panning, errori, regole, tecniche
• Panning oltre le colonne
• Equalizzazione, obiettivo, frequenze magiche, tecniche, regole
• Costruzione dello spazio, riverberi, equalizzazione, utilizzo dell’acustica dell’ambiente, trucchi
• Dinamica, guadagno, compressione, limitazione, compressione come effetto, metodi di impostazione dei parametri del compressore
• Come rendere interessante un mix
• Stile, estetica
• Posizionamento dei microfoni
• Tecniche di allestimento di un locale, compiti a casa, preparazione, allestimento di un locale, chiave di velocità
• Psicoacustica, impostazione del PA.

Il docente è un ingegnere del suono e tecnico del suono con 16 anni di esperienza nella progettazione e produzione di apparecchiature audio, registrazione del suono, mastering, post-produzione, progettazione dell’acustica delle sale, lavoro in affitto. Ha fatto la gavetta da caricatore a direttore di produzione, fonico televisivo e freelance internazionale con esperienza in alcune delle più grandi aziende d’Europa. Come ingegnere del suono ha lavorato con alcune delle band più famose.

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Avete mai pensato di fare del lavoro con il suono il vostro forte? La teoria e la pratica di questo workshop vi daranno le competenze necessarie per lavorare con l’hardware e gli editor di suoni, i sintetizzatori, il MIDI, i plug-in e gli effetti più diffusi che amate.

Il workshop è adatto a diversi compiti: vi insegna a scrivere la vostra musica, a modificare il materiale di altri, a realizzare tracce per diversi video, a registrare ed elaborare la voce in modo professionale.

È un seminario sulle basi del lavoro, indipendentemente dal software utilizzato. Si tratta di un approccio universale, della coerenza di tutti i processi, del lavoro con l’hardware e il grande arsenale di effetti in ogni nuovo progetto in qualsiasi DAW si utilizzi. È una base senza la quale è difficile entrare nel mondo del suono. Ma dopo il workshop capirete facilmente i vostri obiettivi, costruirete il vostro flusso di lavoro, userete attivamente le librerie di strumenti, ripulirete il rumore e il suono chiaro, userete le funzioni Midi e otterrete un numero illimitato di suoni – dall’orchestra sinfonica alla musica elettronica e al metal.

COSA SI IMPARA?

Comprendere le caratteristiche di base del suono.
Acquisire una conoscenza di base su microfoni, tipi di ingressi, connettori, mixer, ruolo degli altoparlanti e della stanza.
Scegliere una DAW adatta alle proprie esigenze.
Imparare ad applicare gli effetti: equalizzazione, compressione, riverbero, delay, chorus, flanger, phaser, saturazione, distorsione, gain, expander, exiter, transient shaper, deesser, midi.
Capire come sintonizzare e analizzare i livelli di segnale e ottenere il livello di segnale richiesto specificato nella scheda tecnica.

Questo workshop sarà utile a tutti coloro che già lavorano con il suono e vogliono ottenere o consolidare i fondamenti.
Ingegneri del suono alle prime armi, vocalisti, doppiatori, musicisti.

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segare con sicurezza il vinile a occhi chiusi
utilizzare le abilità di beatmatching a velocità ninja
applicare una gamma completa di tecniche di scratch essenziali
trovare e selezionare vinili rari e prendersene cura in modo appropriato
essere creativi con il DJing nel suo complesso

Argomenti della master class:

Ritmica e introduzione con l’attrezzatura
Statistiche, beat, BPM, quadrati. Imparare a sentire il ritmo.

Attrezzatura per DJ
Lavorare con il vinile: pitch, RPM, braccio, testina.
Caratteristiche di funzionamento. Mixer, crossfader: tipi, impostazione ed effetti.

Imparare a tagliare il vinile.
Elementi di base dello scratch. Tecniche di esecuzione
Dal semplice al complesso: baby, cut, chirp, flare,
Transformer, ecc.

Esercizi pratici
Graduazione delle competenze di scratch. Uso creativo di giradischi ed effetti.

Turntablism
Tecniche visive e tecniche di esecuzione. Beatmatching.

Strumenti per DJ
Trovare e curare i propri dischi. Campioni e risorse utili. Digitalizzazione dei dischi in vinile.

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